Lola: una ópera trans

Como parte del ciclo de cine europeo, se acaba de estrenar el film “Lola vers la mer” (Lola rumbo al mar), la segunda producción de Laurent Micheli. [1] Se trata de una historia conmovedora, en la que una joven transexual de 18 años se apronta para la operación de reasignación de sexo. En medio de esa difícil transición, muere su madre, único miembro de la familia que la comprendió y acompañó en su decisión. Así, el duelo por la transformación del cuerpo, se anuda con el ritual de despedida de los restos de su madre, travesía en la que debe enfrentarse a su padre, quien nunca aceptó su elección.

Hasta aquí, una historia que evoca muchos otros dramas de jóvenes que batallan por su derecho a la diversidad sexual. Pero lo interesante del film es que se vale de un aria de ópera para, en un momento crucial de la trama, introducir un elemento que suplementa la línea argumental.

Lola y su padre están viajando en automóvil para llevar las cenizas hacia la playa y esparcirlas en el mar, cuando se desata una tormenta en medio de la carretera. Súbitamente se activa el IPod de la madre y suena un tema de su lista de reproducción. Comenzamos a escuchar entonces el aria "Vissi d’arte”, de la ópera Tosca, de Puccini, en la icónica grabación de Maria Callas. Y entonces la cámara se detiene en las expresiones de padre e hija, y la tensión entre ambos da lugar a un gesto que cambiará el curso de los acontecimientos.

¿Qué nos dice este fragmento operístico? Se trata de introducir una escena dentro de la escena: la tragedia de Tosca como evocación de la de Lola. En la ópera de Puccini, Floria Tosca es una joven sensible que lucha por abrir camino a su deseo, para lo cual debe enfrentarse a las inclemencias de la época. Estamos en 1800, en el apogeo de los valores patriarcales, representados por el personaje de Scarpia, que hace uso de su poder para torcer el destino amoroso de la joven. Pero Tosca se sobrepone y deviene una tragedia, que el film de Laurent Micheli se encarga de complejizar, ofreciendo una salida.

Este recurso de la escena dentro de la escena, conocida en francés como "mise en abîme", cuya traducción literal es «puesta en abismo», es una figura de la retórica que refiere justamente a una obra que se muestra en el interior de otra, que habla de ella, cuando la identidad entre los dos sistemas significantes les permite entrar en interlocución. Una pintura representada en una pintura, un relato dentro del relato, una película dentro de una película, o como en este caso, un aria operística al interior de un film.

En todos los casos, lo que interesa destacar es el valor clínico de este recurso estético, sobre el cual no vamos a avanzar aquí para no revelar detalles de la trama. Nos limitaremos a compartir el aria, para transmitir algo del pathos situacional, invitando al visionado de la película completa:

La fuerza incontenible del aria repite una y otra vez su plegaria: “a mí, que he sufrido tantas penurias, en la hora del dolor, ¿por qué, por qué Señor, por qué me pagas de esta manera?”. Ese in crescendo del ruego es el de Lola, pero también el del fantasma de la madre, que parece retornar a través de un corto circuito del IPod. El director prepara así una fantástica escena final, que nos reconcilia con la función de los aparecidos: volver para saldar las injusticias e ignominias que permanecen entre los vivos.

La película logra así, a diferencia de otros tratamientos del tema trans en el cine [2], aunar el realismo dramático con el vuelo de la fantasía. Para interpelarnos respecto de nuestros propios fantasmas sobre la sexualidad, y hacer, por fin, algo trascendente con el cuerpo de cada quien.

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